SUPREMATISMO

HISTORIA

Fue un movimiento artístico centrado en figuras geométricas, creado por Kazimir Malévich en 1915, en Rusia. El suprematismo viene de la palabra “suprimir”: la esencia de la obra debe estar presente en la obra. La idea era romper con el arte clásico. No buscaba transmitir un mensaje social, sino, quería representar un mundo sensible cuyo lenguaje fuera traducido a través de círculos, cuadrados y triángulos. También, se utilizan las superposiciones y los espacios en blanco.  

El suprematismo se considera uno de los grandes logros de la abstracción. Sirvió de inspiración para el diseño occidental y, en especial, para la Bauhaus. Visualmente, causa tensión, un estrés visual de querer enderezar correctamente las figuras.

KAZIMIR MALÉVICH

Nació en 1878 y vivió hasta 1935. Poseía una mirada mística y era un hombre que se guiaba por su corazón más que por su razón. En 1917, fue líder de la Comisión Nacional de Arte en Rusia. Para 1918, dirige la Escuela de Arte de Vítebsk y, al año siguiente, fundó la Agrupación UNOVIS (un grupo de artistas rusos que buscaban hacer “el arte nuevo”). Fue responsable del Museo de Cultura Artística en Leningrado, y visita la Bauhaus en 1927.

OBRAS HASTA 1915

Paisaje con casa amarilla - 1900/1903

En el boulevar - 1903

Manzano en flor - 1904

Descanso, sociedad con sombreros de copa - 1908

Afilador de cuchillos - 1913

Un inglés en Moscú - 1914

Eclipse parcial con la Monsa Lisa - 1914 (aparece el cuadrado negro por primera vez)

OBRAS SUPREMATISTAS DESDE 1915

Durante un viaje a Finlandia, conoce a Kruchneykh (poeta ruso) y Matiushin (pintor y compositor rusos) quienes le encargan la realización de un vestuario para una obra teatral. En los diseños de Malévich comienzan a  aparecer cuadrados. Este sería el comienzo del suprematismo. Malévich dijo que su movimiento se le presentó en un sueño mítico. En diciembre de 1915, exhibe sus cuadros suprematistas por primera vez (“Exposición en 0,10”). La representación más clara del movimiento es el cuadrado negro sobre fondo blanco. Malévich se identificaba tanto con sus ideas que llegó a firmar sus últimas obras con este famoso cuadrado.

Exposición 0,10 en 1915

El suprematismo presenta distintas épocas:

-Época negra

Cuadrado negro - 1913/1915

Círculo negro - 1915

Cruz negra - 1915

-Época roja

Cuadrado rojo - 1915

Ocho rectángulos rojos - 1915

-Época de color

Composición suprematista - 1916

Suprematismo dinámico - 1916

-Época blanca absoluta

Blanco sobre blanco - 1918

SUS ÚLTIMAS OBRAS

Caballería roja - 1928/1932

Casa roja - 1932 (mantiene el cuadrado rojo)

Autorretrato - 1933 (firma con el cuadrado negro sobre fondo blanco)

“El arte del pasado, que estaba al servicio de la religión y el estado, debe despertar en una nueva vida dentro del genuino arte del suprematismo y edificar un mundo diferente, el mundo de los sentimientos” 

-Kazimir Malévich

RAYONISMO

HISTORIA
El rayonismo, o cubismo abstracto, es un movimiento artístico creado por la pareja de artistas Mijaíl Lariónov y Natalia Goncharova a principios de 1910, en Rusia. Su nombre proviene de los “rayos de colores” que componen a las obras y del sentido literario de la palabra “rayo”. Lariónov y Goncharova no vivían de la venta del arte. Su inspiración vino de los fauvistas y el futurismo. Pintaban a trabajadores y a personajes típicos provincianos. 

Las características del rayonismo son:

-Aparecen prototipos sociales (cotidianos)

-Colores vivos, fuertes y saturados

-Manifestación de la factura rápida

-Son “obras abiertas”, como diría Umberto Eco, en las que el espectador complementa al cuadro. Stalin prefería el arte de propaganda, sin acción del receptor y sin un diálogo con la obra.

A fines de la década de 1910, el matrimonio iría a París donde diseñarían vestuarios y sus cuadros mostrarían sus diseños. Este sería el fin del movimiento.

MIJAÍL LARIÓNOV

Nació en 1881 y murió en 1964. Estudóa en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú y crea el Rayonismo junto a su mujer Natalia Goncharova. En 1914, fue reclutado para la gran guerra, que él consideró siempre que le hizo perder parte de su creatividad y perturbó para siempre su vida artística. Sin embargo seguirá ofreciendo su contribución a la pintura, a las artes gráficas y al mundo del teatro. Continuó publicando sus propios escritos e ilustrará todavía numerosas obras, pero sus cuadros no tuvieron mucha visibilidad en su país. 

Gallo - 1912

Retrato de un hombre - 1913

NATALIA GONCHAROVA

Nació en 1881 y murió en 1962. Estudió escultura en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú, pero comenzó a pintar en 1904. Fue inspirada por los aspectos primitivos del arte folclórico ruso e intentó reflejarlo en su propia obra, incorporando elementos fauvistas y cubistas. Junto a su esposo Mijaíl Lariónov desarrolló el rayonismo. Fue miembro del grupo avant-garde Der Blaue Reiter desde sus comienzos en 1911. 

El bosque verde y amarillo - 1912

Gatos, percepción rayonista - 1913 

El bosque verde - 1913

VANGUARDIAS RUSAS

HISTORIA

Los artistas rusos debían educarse en Francia. Sus pinturas giraban en torno al realismo mítico, estaban inspiradas en los relatos fundacionales, y contenían una gran carga simbólica. Las obras no podían tener contenidos de realismo social porque a los zares no les interesaba comprar ese tipo de arte. Así, surge la necesidad de crear nuevas formas de arte, no más dirigidas a la burguesía. Existen tres vanguardias rusas:

-Rayonismo (1910-1914)

-Suprematismo (1915-1925)

-Constructivismo (1920-1929)

Pero en Rusia no existía un museo en donde conocer distintos movimientos artísticos. Los artistas rusos debían visitar colecciones privadas para poder disfrutar del arte europeo. Dos de los coleccionistas que pasaron a la Historia del Arte por guardar las obras de los grandes maestros del arte moderno fueron Serguei Shchukin e Ivan Morozov.

SERGEI SHCHUKIN

Este empresario ruso (1854-1936) coleccionó muchas obras que hoy se encuentran en el Hermitage de San Petersburgo y en el Pushkin de Moscú. Su colección abría la puerta a los artistas rusos una vez por semana, donde se inspiraban para crear sus propios cuadros. Shchukin buscaba colocar a Rusia dentro de la vanguardia francesa. La colección pasó por distintas etapas:

-1897: Obras del Impresionismo y Postimpresionismo

-1904: Obras de Cézanne y Matisse

-1906: Shchukin exhibe una sala solo para Matisse, quien se encuentra en Rusia. Shchukin le encarga a Matisse las obras “La danza” y “La música”.

-1908-19011: Picasso viaja a Moscú y expone gracias a Shchukin

Salas de exposición de Shchukin:

IVAN MOROZOV

Al igual que la colección de Shchukin, las obras coleccionadas por Morozov (1871-1921) hoy se encuentran distribuidas en los museos Hermitage y Pushkin. Este coleccionista se interesaba por el arte más tradicionalista francés, el impresionismo, el postimpresionismo y el simbolismo.

Retrato de Ivan Morozov - Valentin Serov, 1911

FUTURISMO

ORIGEN

Aparece en Italia y tiene un inicio literario. Comienza con el pintor Filippo Tommaso Marinetti, con un manifiesto escrito en 1909 para un diario francés. Buscaba romper con lo clásico y tenía como personajes principales a la máquina y el movimiento. Se utilizaba mucho el color y se basa en el cubismo. La máxima expresión del futurismo se transformaría en rayonismo.

ARTISTAS

- Umberto Boccioni (1882 – 1916): se basa en el dinamismo, el movimiento y el espacio. Como lla burguesía no lo entiende, lo critica.

Formas únicas de la continuidad del espacio  - 1913

- Gino Severini (1883 – 1966)

Bailarina azul - 1912

- Giacomo Balla (1871 – 1958): estudiaba la luz.

Lámpara, estudio de luz - 1909

- Luiggi Russolo (1885 – 1947): el más abstracto.

Dinamismo de un automóvil- 1913

BAUHAUS

HISTORIA

Luego de la primera guerra mundial, el arquitecto, urbanista y diseñador alemán Walter Gropius decidió crear una escuela de arte. Fue en 1919 cuando la Bauhaus (“La casa de la construcción”) abrió sus puertas en la República de Weimar, siendo una fusión entre la Escuela de Artes y Oficios y la Escuela de Arte Superior. Buscaba generar un hombre nuevo que fuera capaz de diseñar una cuchara y una ciudad. Era esencialmente un proyecto nacionalista; los alumnos no debían pagar. Adelantados para la época, la Bauhaus permitió la incorporación de la mujer a la escuela. El manifiesto de la Bauhaus aclamaba que todos debían trabajar en común y proclamaba la construcción. Inventan la familia: un concepto en común entre el lema y la marca, que luego sería utilizado por las empresas. En sus construcciones buscaban poner en evidencia los materiales que utilizaban y no ocultarlos de su función. Había un grupo de teatro y un ballet triádico (de Schlemmer) con danza abstracta, experimentación que hoy se considera ballet contemporáneo. En cuanto a la fotografía, profesores y alumnos trabajaban con las solarizaciones. La escuela desaparece en 1933 a causa del nazismo.

El logo de la Bauhaus que muestra al “hombre nuevo”

Plan de estudios

DIVISIONES

La historia de la Bauhaus puede dividirse según:

1. Lugar:

-República de Weimar (1919)

-Dessau (1925): en un edificio construido por Gropius.

-Berlín (1932-1933): hasta el ascenso del nazismo.

2. Directores:

- Gropius (1919-1928): hasta que lo llaman desde Estados Unidos para que vaya a construir edificios.

-Meyer (1928-1930): al ser hebreo debe escaparse del nazismo alemán. 

-Mies van der Rohe (1930-1933)

3. Cambios de ideología:

-Expresionismo alemán (arte aplicado)

-Constructivismo ruso (arquitectura únicamente)

FIESTAS

Los profesores y los 1400 jóvenes alumnos disfrutaban de las fiestas temáticas que se realizaban en la Bauhaus. La idea era propiciar el trabajo en equipo y afianzar las uniones entre los estudiantes y la escuela. Festejaban casi cualquier ocasión. Una fiesta que se recuerda es la del cumpleaños número 60 del artista y querido profesor Wassily Kandinsky.

REPERCUCIONES

-Ulm School of Design

-Escuela de Chicago

-Escuela Universitaria de México

-Ciudad Universitaria de Buenos Aires

FOTOS DE ALGUNAS CREACIONES

Silla Wassily por Marcel Breuer (1925)

Ajedrez de Josef Hartwig

Disfraces del ballet triádico

DER BLAUE REITER

ORIGEN

También conocido como El Jinete Azul, fue un grupo de artistas expresionistas que se juntaban en Münich entre 1911 y 1913. Liderado por Wassily Kandinsky y Franz Marc, lograron unir el arte primitivo con el cubismo y el fauvismo.  

WASSILY KANDINSKY

Fue un pintor abstracto ruso que vivió entre 1866 y 1944. En un viaje a París, él conoce la obra de los impresionistas y posimpresionistas. En 1896, va a una esposición de Monet, realizada en Moscú, y se angustia por no encontrar las parvas en un cuadro. Kandinsky sólo veía las pinceladas y el color. Poco tiempo después decide dejar su estudio de las leyes para irse a vivir a Münich y comenzar a pintar. El artista buscaba experimentar con el color, a la vez que se interesaba por recurrir a un componente místico. Kandinsky creía que cada forma tenía un color: el círculo debía ser azul, el triángulo amarillo y el cuadrado rojo. Para llegar a ser artista debía ser un mesías en una ciudad conflictuada. 

1ra Etapa: Ya en Münich, rechazado por la Escuela de Bellas Artes, toma clases con Franz von Stuck. Esto tomo lugar por un año a principios de siglo. Todas las obras que Kandinsky realizó junto a su profesor fueron desechadas por el ruso, pero es aquí donde conoce a su colega y amigo Paul Klee. Junto a Klee y otros artistas franceses forma el grupo Phalanx que buscaba traer banguardia a Münich. Además, crea la Nueva Asociación Artística de Münich. Esta etapa es descripta como fauve por la libertad que le da al color al reproducir un paisaje. 

Kandinsky realiza “El jinete azul”, inspirado en cuentos folclóricos de príncipes rusos y con un caracter religioso. Él disfrutaba de lo lírico e ilustrar historias. Su técnica consistía en pinta un cartón o lienzo de color oscuro, esperar a que se secara el fondo y luego pintar con colores claros por encima, dejando el color oscuro como contorno de los objetos. Durante este período inventa una nueva forma de xilografía llamada la cromoxilografía, basada em el color. 

 El jinete azul - 1903

2da Etapa: sucede entre 1905 y 1909, cuando Kandinsky vive en Murnau. Pinta cuadros de caballete en pequeño formato, casi decorativos. Genera planos de sombra, a la vez que utiliza mucho el color en su forma pura. Continúa con la técnica de poner un color oscuro de fondo para unificar la obra. Su economía se basaba en cambiar sus cuadros por alimento y dar clases. Sus pinturas eran paisajes de ensueño, una captación lírica de la realidad. 

Pareja a caballo - 1906

3ra Etapa: Son dos o tres años que pasa el pintor en Münich. Es el momento que crea la abstracción lírica y forma el grupo Der Blaue Reiter. Crea 6 Impresiones, 7 Composiciones y 35 Improvisaciones, partiendo de experienciaas de la realidad. Esta etapa se basa en:

-temas cristianos

-experimentar sobre vidrio y pintar los marcos

-pintar con temple (témpera mezclada con huevo)

-trabajar el fondo y la figura

-pintar escenas africanas de su viaje a Tunes.

Pinta “Primera acuarela abstracta” inspirado por la música.  

Montaña azul - 1909

Improvisación soñada - 1913

Primera acuarela abstracta - 1910/1913

Portada de almanaque del grupo El Jinete Azul

4ta Etapa: Kandinsky trabaja como profesor en shutemas rusos (escuelas de arte) y funda varios. El constructivismo ruso hace que él se vaya a Berlín. Walter Gropius, arquitecto y diseñador alemán, luego de leer un libro del pintor, lo invita a la ciudad de Weimar, recién fundada. Allí, el alemán había creado una escuela de diseño, arte y arquitectura llamada Bauhaus. Aquí se formaría el Kandinsky que duraría hasta el final de sus días, un místico positivista en continua búsqueda de lo espiritual. No crearía demasiadas obras, pero se convertiría en un profesor muy querido por sus alumnos. Debido al ascenso del nazismo, en 1933 cierra la Bauhaus. Sus obras reflejan la depresión de Kandinsky, quien dibuja con tonos marrones. Él huiría de Alemania y en París se radicaría como francés. 

Desarrollo en marrón - 1933

 “Hablar de secretos a través de lo secreto. ¿No es éste el tema? ¿Acaso no es ésta la finalidad, consciente o inconsciente, del apremiante impulso creador? El hombre habla a los hombres sobre lo sobrehumano – el lenguaje del arte” 

- Wassily Kandinsky

DIE BRÜCKE

ORIGEN

Se trata de un grupo de pintores expresionistas alemanes. Se juntaban en Dresde desde 1905 hasta 1913. El nombre de este movimiento significa "El Puente" por su objetivo de juntar al arte primitivo con la vanguardia. Al igual que el fauvismo, les interesaba buscar los colores puros a través de colores antinaturales para crear obras con estilo plano. El grupo se disuelve cuando comienza la gran guerra; unos escapan, mientras que otros huyen. 

ERNST LUDWIG KIRCHNER

Fue uno de los creadores del Die Brücke. Nació en 1880 y se suicidó en 1938 debido a la situación política-social alemana. Se caracterizó por realizar obras rápidas (sin terminar), frescas y antiburguesas, con un aire naive. Toma su inspiración de las máscaras africanas, al igual que lo hizo Picasso, para crear desnudos en juglas y realizar caras angulares y sin profundidad. En las obras “Desnudo frente al espejo” y "Fränzi ante una silla tallada" se puede ver como el artista no sigue las reglas del arte clásico y juega con el color al utilizar el verde para pintar la piel de las mujeres retratadas. Su trabajo se basó en los gestos y expresiones. Ridiculizó a la burguesía al retratarla como si fueran muñecos. Kirchner toma como inspiración a Van Gogh para pintar cuadros como “Cabeza de mujer delante de unos girasoles”. 

Cabeza de mujer delante de unos girasoles - 1906

Fränzi ante una silla tallada - 1910

Desnudo frente al espejo - 1910