DER BLAUE REITER

ORIGEN

También conocido como El Jinete Azul, fue un grupo de artistas expresionistas que se juntaban en Münich entre 1911 y 1913. Liderado por Wassily Kandinsky y Franz Marc, lograron unir el arte primitivo con el cubismo y el fauvismo.  

WASSILY KANDINSKY

Fue un pintor abstracto ruso que vivió entre 1866 y 1944. En un viaje a París, él conoce la obra de los impresionistas y posimpresionistas. En 1896, va a una esposición de Monet, realizada en Moscú, y se angustia por no encontrar las parvas en un cuadro. Kandinsky sólo veía las pinceladas y el color. Poco tiempo después decide dejar su estudio de las leyes para irse a vivir a Münich y comenzar a pintar. El artista buscaba experimentar con el color, a la vez que se interesaba por recurrir a un componente místico. Kandinsky creía que cada forma tenía un color: el círculo debía ser azul, el triángulo amarillo y el cuadrado rojo. Para llegar a ser artista debía ser un mesías en una ciudad conflictuada. 

1ra Etapa: Ya en Münich, rechazado por la Escuela de Bellas Artes, toma clases con Franz von Stuck. Esto tomo lugar por un año a principios de siglo. Todas las obras que Kandinsky realizó junto a su profesor fueron desechadas por el ruso, pero es aquí donde conoce a su colega y amigo Paul Klee. Junto a Klee y otros artistas franceses forma el grupo Phalanx que buscaba traer banguardia a Münich. Además, crea la Nueva Asociación Artística de Münich. Esta etapa es descripta como fauve por la libertad que le da al color al reproducir un paisaje. 

Kandinsky realiza “El jinete azul”, inspirado en cuentos folclóricos de príncipes rusos y con un caracter religioso. Él disfrutaba de lo lírico e ilustrar historias. Su técnica consistía en pinta un cartón o lienzo de color oscuro, esperar a que se secara el fondo y luego pintar con colores claros por encima, dejando el color oscuro como contorno de los objetos. Durante este período inventa una nueva forma de xilografía llamada la cromoxilografía, basada em el color. 

 El jinete azul - 1903

2da Etapa: sucede entre 1905 y 1909, cuando Kandinsky vive en Murnau. Pinta cuadros de caballete en pequeño formato, casi decorativos. Genera planos de sombra, a la vez que utiliza mucho el color en su forma pura. Continúa con la técnica de poner un color oscuro de fondo para unificar la obra. Su economía se basaba en cambiar sus cuadros por alimento y dar clases. Sus pinturas eran paisajes de ensueño, una captación lírica de la realidad. 

Pareja a caballo - 1906

3ra Etapa: Son dos o tres años que pasa el pintor en Münich. Es el momento que crea la abstracción lírica y forma el grupo Der Blaue Reiter. Crea 6 Impresiones, 7 Composiciones y 35 Improvisaciones, partiendo de experienciaas de la realidad. Esta etapa se basa en:

-temas cristianos

-experimentar sobre vidrio y pintar los marcos

-pintar con temple (témpera mezclada con huevo)

-trabajar el fondo y la figura

-pintar escenas africanas de su viaje a Tunes.

Pinta “Primera acuarela abstracta” inspirado por la música.  

Montaña azul - 1909

Improvisación soñada - 1913

Primera acuarela abstracta - 1910/1913

Portada de almanaque del grupo El Jinete Azul

4ta Etapa: Kandinsky trabaja como profesor en shutemas rusos (escuelas de arte) y funda varios. El constructivismo ruso hace que él se vaya a Berlín. Walter Gropius, arquitecto y diseñador alemán, luego de leer un libro del pintor, lo invita a la ciudad de Weimar, recién fundada. Allí, el alemán había creado una escuela de diseño, arte y arquitectura llamada Bauhaus. Aquí se formaría el Kandinsky que duraría hasta el final de sus días, un místico positivista en continua búsqueda de lo espiritual. No crearía demasiadas obras, pero se convertiría en un profesor muy querido por sus alumnos. Debido al ascenso del nazismo, en 1933 cierra la Bauhaus. Sus obras reflejan la depresión de Kandinsky, quien dibuja con tonos marrones. Él huiría de Alemania y en París se radicaría como francés. 

Desarrollo en marrón - 1933

 “Hablar de secretos a través de lo secreto. ¿No es éste el tema? ¿Acaso no es ésta la finalidad, consciente o inconsciente, del apremiante impulso creador? El hombre habla a los hombres sobre lo sobrehumano – el lenguaje del arte” 

- Wassily Kandinsky

DIE BRÜCKE

ORIGEN

Se trata de un grupo de pintores expresionistas alemanes. Se juntaban en Dresde desde 1905 hasta 1913. El nombre de este movimiento significa "El Puente" por su objetivo de juntar al arte primitivo con la vanguardia. Al igual que el fauvismo, les interesaba buscar los colores puros a través de colores antinaturales para crear obras con estilo plano. El grupo se disuelve cuando comienza la gran guerra; unos escapan, mientras que otros huyen. 

ERNST LUDWIG KIRCHNER

Fue uno de los creadores del Die Brücke. Nació en 1880 y se suicidó en 1938 debido a la situación política-social alemana. Se caracterizó por realizar obras rápidas (sin terminar), frescas y antiburguesas, con un aire naive. Toma su inspiración de las máscaras africanas, al igual que lo hizo Picasso, para crear desnudos en juglas y realizar caras angulares y sin profundidad. En las obras “Desnudo frente al espejo” y "Fränzi ante una silla tallada" se puede ver como el artista no sigue las reglas del arte clásico y juega con el color al utilizar el verde para pintar la piel de las mujeres retratadas. Su trabajo se basó en los gestos y expresiones. Ridiculizó a la burguesía al retratarla como si fueran muñecos. Kirchner toma como inspiración a Van Gogh para pintar cuadros como “Cabeza de mujer delante de unos girasoles”. 

Cabeza de mujer delante de unos girasoles - 1906

Fränzi ante una silla tallada - 1910

Desnudo frente al espejo - 1910

LA ABSTRACCIÓN CUBISTA

HISTORIA DEL CUBISMO

Nace de la mano de Pablo Picasso, George Braque y Juan Gris en 1907 en Francia. El cubismo fue nombrado por el mismo crítico que nombre a los fauvistas, al referirse a describir a las obras del movimiento como compuestas por “pequeños cubos”. Su fin era romper definitivamente con el arte clásico. 

PABLO PICASSO

El pintor español nació en 1881. Se caracterizó por la variedad de técnicas que utilizó en sus obras y por interesarse en distintos movimientos artísticos. Se definía como pacifista y comunista. Murió a los 91 años en Francia.

Picasso pasó por estos períodos: 

1. El período azul (1901 - 1904): posee un sentido oculto, un misterio, y refleja situaciones depresivas. Durante esta época se habla del “Picasso de los codos”, debido a los ángulos rectos con los que dibuja las articulaciones del cuerpo. 

La tragedia - 1903

2. El período rosa (1904 - 1907): los personajes representados están deformados: poseen ojos almendrados, los miembros alargados y continúan teniendo los codos angulosos del período azul. Picasso pinta a la escritora Gertrude Stein, quien al ver el cuadro dice que no se parece a ella y el pintor le contesta: “No te preocupes, ya te vas a parecer”.

El actor - 1904

Gertrude Stein retratada en 1906

3. Protocubismo (1907 - 1908): no es cubismo en su estado puro porque coexisten distintos movimientos juntos. Toma inspiración de las máscaras africanas y de las pinturas de Matisse. Un ejemplo es “Las señoritas de Avignon”, obra que no está terminada, donde se muestran los distintos mundos de las mujeres de un burdel.

Las señoritas de Avignon - 1907

4. Cubismo analítico (1909 - 1912): es la primera estapa del cubismo que requiere un análisis. Picasso crea este tipo de cubismo con Braque, en el cual se renuncia al color “real” y se comienza a cuestionar la lectura de los tiempos: la información va más allá de la postura del observador. Las obras poseen elementos de anclaje como ojos, bigotes y letras, pero no es posible distinguir nada más que esto. Picasso realiza varios retratos de esta manera “atomizada”, en óleo sobre lienzo.

Retrato de Wilhelm Uhde - 1910

5. Cubismo sintético (1912 - 1914): es una síntesis del cubismo analítico, agregando materiales extraartísticos a las obras. Braque decide no seguir este camino que toma Picasso. Al artista español le empiezan a molestar esos ángulos rectos que tanto le gustaban y comienza a pintar ángulos obalados y obras elípticas. En "Naturaleza muerta sobre silla de rejilla" hay un papel que imita la textura de la silla y una soga marinera que encuadra a la obra circular. 

Naturaleza muerta sobre silla de rejilla - 1912

Los cuadros de Picasso eran repudiados por los dadaístas por considerarlos cuadros decorativos, "para colgar en la pared".

FAUVISMO

HISTORIA 

Se originó con un grupo de artistas que expusieron en 1905 en el Salón de Otoño del Grand Palais, en París. En esa época nadie invertía en arte moderno. Cuando las galerías de arte aparecen a fines del sigo XIX, se pone en crisis la idea de arte único y les da la posibilidad de reconocimiento a los nuevos artistas. Su antecedente se encuentra en 1874 cuando artistas impresionistas comienzan a exponer. Son rechazados de tal manera que se crea “el salón de los rechazados oficial”, conocido como el Salón de Otoño. En esta galería casi todo lo que se presentaba se exponía, y fueron los artistas que creían en sus obras los que se presentaron y lograron ser exitosos. Las obras eran descriptas como fauve, que significa fiera. De estas reseñas surgió el nombre del movimiento artístico, interesado por la liberación del color. Los franceses jamás llegarán a una abstracción absoluta, pero en el fauvismo se encuentran los orígenes de lo abstracto.

INSPIRACIÓN

Paul Sérusier: un pintor francés dedicado al posimpresionismo. Aprende de Gauguin sobre cómo colocar colores en sus obras, colores que difieren de los que percibe de la realidad.

Vincent van Gogh: en 1901 se realiza una muestra con las obras del, ya fallecido, pintor holandés en la galería Bernheim-Jeune de París. En esta exposición, muchos artistas se inspiran por la importancia que Van Gogh le daba al color. 

ARTISTAS

Henri Matisse (1869-1954)

Fue un pintor francés que expone en el Salón de Otoño su obra “La raya verde”. Logra obras sintéticas, unificando distintos planos. Busca las cosas esenciales que superen la mera apariencia. Para Matisse, los colores debían adaptarse a las formas. Durante su vida realiza formas bellas que llaman la atención por no decir “nada”. El artista buscaba volver a los fundamentos, perfeccionando su técnica. En su obra “La música”, utilizando la misma técnica que en "La danza", dice haber encontrado “al color por su pureza natural”.

La raya verde - 1905

La danza - 1910

La música - 1911

André Derain (1880-1954)

Amigo de Matisse, fue un pintor francés que con el color plano creó formas. Sus pinturas parecen inconclusas y, como todos los fovistas, reemplaza los colores de la realidad por otros. Un ejemplo de su forma de trabajo es el “Retrato de Matisse”, en el cual utiliza celeste y violeta para crear sombras, rojo para la barba y, sin la necesidad de pintarlos, crea la ilusión de los vidrios de los anteojos. Otra obra conocida es “Puente de Westminister”, en la cual los árboles son rojos y el cielo y el agua son amarillos. Derain pierde prestigio luego de ser acusado de apoyar al gobierno de Vichy, gobernante nazi en Francia. Puente de Westminister - 1905 

 Retrato de Matisse - 1905

“Nos intoxicamos siempre con el color, con las palabras que hablan de color, y con el sol que hace brillante a los colores”

- André Derain

Puente de Westmininister -1905

Maurice de Vlaminck (1876-1958)

Era un pintor francés que solventaba su vida de artista como ciclista y boxeador. Logra una síntesis absoluta entre colores cálidos y fríos. Toma como referente a Van Gogh y se lo conoce por la frase: "Quiero a Van Gogh más que a mi padre". Estaba comprometido políticamente y lucha contra Hitler. 

Restaurante de la machine en Bougival - 1905

ORIGEN, DEFINICIONES Y DIVISIONES DEL ARTE ABSTRACTO

HISTORIA

El arte abstracto surge a principios del siglo XX, momento previo a la Primera Guerra Mundial, cuando los artistas deciden alejarse de la realidad. Durante este período histórico, la burguesía estaba en decadencia. Eran los más ricos quienes contrataban a artistas impresionistas para que los retrataran a ellos en sus actividades cotidianas. Fue entonces cuando, mientras que la burguesía perdía su autoridad y poder, pintores (como Van Gogh, Cézanne y Seurat) comenzaron a realizar obras que desafiaban a las leyes del impresionismo y a la aristocracia. Como su arte no era bien recibido, ni había interesados en comprarlo, este grupo de artistas decidieron dejar la ciudad y mudarse a pueblos alejados, dónde empezarían a crear un movimiento nuevo que cambiaría nuestra percepción del arte moderno. 

DEFINICIONES
El arte abstracto es un concepto general que se opone al del arte figurativo. Remite a lo más esencial de la obra plástica y se reduce a sus aspectos formales, cromáticos y estructurales. La abstracción acentúa las formas alejándolas de la reproducción fiel y verosímil.

Por el contrario, el arte figurativo posee una relación icónica entre la realidad y el referente.

“Trato de aplicar colores como palabras que forman poemas, como notas que forman música”

-Joan Miró

En toda obra se abstrae algo de la realidad o de lo real. Esto quiere decir que en toda obra se utilizan figuras. En rigor, toda obra es figurativa y toda obra es abstracta.

El arte figurativo puede medirse en grados, ya sean alto o bajo, según su nivel de abstracción. Para medir el arte es necesario conocer la ficha técnica de la obra: sabiendo el título de una obra se conoce un referente que nos permite pensar y discutir sobre qué es arte figurativo y qué no. Así podemos hablar de receptores activos, que interpretan y forman la obra junto al artista. 

DIVISIONES

Marta Zátonyi, licenciada en Filología neolatina y finugor y doctora en Estética, propone otra visión a la hora de separar las artes. Para ella no existe arte figurativo o abstracto, sino que divide el arte entre abstracto y no abstracto.

1. Arte abstracto: remite a la realidad. Es el arte clásico que tiene que ver con lo matemático y universal. Éste se divide en:

• Figurativo
• No figurativo

2. Arte no abstracto: por accidente, con particularidades. Tiene que ver con lo romántico y subjetivo. Al igual que el arte abstracto, el arte no abstracto se divide en:

• Figurativo
• No figurativo

Otra división, pero esta vez en el área de lo abstracto, surge del poeta y crítico de cine español Juan Eduardo Cirlot Laporta. Él era amigo de artistas españoles que se dedicaban a la abstracción, como Antonio Saura y Manolo Millares. Por eso mismo, en 1965, decide escribir sobre el arte abstracto, justificando el modo de trabajo de sus colegas. Así, decide dividir al origen de la abstracción en tres tipos:

1. Forma primitiva: es una maraña lineal con ritmo discontinuo, propio de Kandinsky.

Kandinsky - Sobre Blanco (1923)

2. Trama geométrica: tiene forma regular, plana. Referentes de esta rama son Paul Klee y Piet Mondrian.

Mondrian - Composición II en Rojo, Azul y Amarillo (1930)

3. Informalismo: relacionado con la textura. El artista informalista más conocido es Tàpies, pero Cirlot pone como ejemplo a su amigo Saura. 

Tàpies - Cruz y tierra (1975)

A modo de conclusión, en 1890 el pintor francés Maurice Denis logra sintetizar en una frase la esencia de lo abstracto en cuanto al arte:

“Recordemos que un cuadro- antes de ser un caballo de batalla, un desnudo de mujer o cualquier otra anécdota- es esencialmente una superficie plana cubierta de colores agrupados en un cierto orden”

Las palabras de Denis son importantes porque nos permiten entender al arte por su técnica, es decir, por lo que es, no por lo que representa.